Culture sur cassette : avril 2023

Aug 06, 2023

Cassette Culture est une chronique mensuelle dédiée à l'exploration des différents artistes qui peuplent le vaste marché de la cassette. S'appuyant sur des groupes et des labels du monde entier, cette colonne tentera de mettre en évidence certains des meilleurs artistes et albums de cette communauté mondiale.

Heejin JangMe et les Glassbirds (Doom Trip Records)

La productrice coréenne Heejin Jang se délecte de la manipulation sonore, des impulsions mutantes de ses propres processus créatifs et de la manière dont ils changent les uns par rapport aux autres. Son nouvel album, Me and the Glassbirds, est un portrait magnifique, serein et parfois déchirant d'une expression apocalyptique. Alors que le monde qui nous entoure semble se dissoudre davantage dans la division et le chaos, Jang utilise à la fois des atmosphères électroniques brutales et tranquilles et des éléments de percussion capricieux pour documenter l'effondrement social et émotionnel progressif qui l'entoure à tout moment. Elle possède une capacité déconcertante à exploiter les grâces sauvages de ses instincts créatifs, leur permettant de se déplacer sans contrainte ni direction, même lorsque des périodes de calme réparateur apparaissent et se retirent sans avertissement.

L'album résiste à toute approche conventionnelle, refusant d'adhérer à des étiquettes de genre stéréotypées ou même autorisant beaucoup d'associations concrètes. Ces sons sont plus tactiles, plus adaptés aux expériences physiques. En fusionnant des sons familiers avec ceux clairement conçus pour défier nos sens, Jang nous demande de nous engager avec elle et la musique d'une manière dont nous n'avons pas l'habitude, d'une manière qui nous pousse à considérer son travail selon ses conditions au lieu de filtrer à travers notre propre compréhension. Non pas qu'elle refuse de permettre une interprétation personnelle; elle insiste simplement pour donner à la musique le temps de s'épanouir au sein de son propre écosystème, laissant à l'extérieur tous les bagages que nous pourrions emporter avec nous. Nous sommes conduits à travers diverses rencontres, chacune plus insaisissable et fascinante que la précédente - jusqu'à ce que finalement, quand tout a été révélé, Jang nous invite à remettre en question tout ce dont nous venons d'être témoins.

Moi et les Glassbirds par Heejin Jang

Goodparley & ShreddiesSoundtrack et Marine(Superpolar Taïps)

Les Cassingles sont bel et bien vivants dans le monde de Superpolar Taïps en Allemagne, un petit label axé sur la musique pop expérimentale. Pendant les différents verrouillages COVID, le label a invité divers artistes à collaborer et à contribuer à cette série de bandes en cours. Pour Soundtrack et Marine (Cassingle #31), ils ont réuni le musicien londonien Oli Richards (alias Goodparley) et l'artiste gallois Josh Dickins (alias Shreddies) pour créer deux morceaux d'électrolyse pop onirique. Alors que Richards façonne des sons hypnotiques à partir de boucles de guitare ambiantes et de matériel de manipulation sonore, Dickins façonne les sons électroniques en une série de révélations diaphanes sur le dancefloor.

"Soundtrack for a Hummingbird" et "Marine Blue" mettent en valeur les points forts de chaque artiste, le premier marchant dans des eaux mélodiques plus familières et le second tombant plus profondément dans des profondeurs de circuit plus nouées. Ils se complètent parfaitement, dessinant les histoires compliquées qui soutiennent le travail de Richards et illuminant les impulsions synaptiques alimentant le cœur de la musique de Dickins. Soundtrack and Marine fonctionne comme un point de départ idéal avant d'approfondir la discographie de l'un ou l'autre des musiciens. Une réalisation sublime de la musique pop qui penche à l'extrême gauche du centre, cette version vous permet de conserver ce sens vertigineux de la découverte qui ne survient que lorsque vous trouvez quelque chose de vraiment spécial que vous souhaitez partager immédiatement avec toute personne à portée de voix.

Bande originale et Marine (Cassingle #31) par Goodparley x Shreddies

Lampe trompette Uton & Bardo TodolBday (brillant raide)

Certains albums vous permettent de vous perdre complètement dans leurs merveilles étranges - et c'est certainement le cas avec Bday Lampazo Trompetam, la nouvelle collaboration sur cassette d'Uton (musicien finlandais Jani Hirvonen) et Bardo Todol (artiste argentin Pablo Picco). Rempli d'un assortiment d'instruments acoustiques tournant autour d'enregistrements sur le terrain réalisés à Turku, en Finlande et à Salsipuedes, en Argentine, la bande évoque de vastes étendues de terres à la dérive sous divers climats alors qu'ils manipulent ces sons pour créer un éventail vertigineux de réponses émotionnelles. Chaque chanson peut être considérée comme des scènes individuelles sur un film ou des instantanés à feuilleter dans un album photo.

Mélangeant des éléments de free jazz, de musique concrète et une sorte d'esthétique folk fracturée, les chansons agissent comme des êtres vivants, témoignant d'exhalations soutenues par des cœurs battants et des picotements. Ils bougent et s'épanouissent, s'affirment puis se retirent, la musique ne révélant aucune obéissance de genre. Plus vous descendez dans Bday Lampazo Trompeta, plus les atmosphères deviennent sauvages et kaléidoscopiques, illuminant la façon dont les impulsions jumelles d'Uton et de Bardo Todol se complètent et se nourrissent mutuellement. Alors que la dernière piste cède la place au silence, vous avez l'impression d'avoir été témoin d'une représentation sonore des vastes royaumes de la nature, et vous avez hâte de vous immerger à nouveau dès que possible.

Bday Lampazo Trompette par Uton & Bardo Todol

Joseph BlaneThe Spider Room (Submarine Broadcasting Company)

The Spider Room de Joseph Blane est une expérience d'écoute perplexe et immersive, qui ne s'oublie pas facilement, se logeant fermement dans votre subconscient pour une enquête continue. Sorti à la fin de l'année dernière - je découvre seulement maintenant ses merveilleuses bizarreries - ce deux titres étonne par ses improvisations, enregistrées dans un bâtiment scolaire abandonné et moulées à partir de boucles de guitare et de tous les instruments que Blane a trouvés dans la salle de musique déserte : "à savoir un piano de la vieille école, un violon désaccordé, une flûte irlandaise crasseuse, un harmonica malodorant, un glockenspiel fêlé et un œuf percussif". En superposant les parties de guitare avec des performances improvisées à partir de ces outils musicaux oubliés, il a façonné "Part I / Beneath the Dust" et "Part II / Above the Dust".

Ces deux pièces de longue durée agissent comme des déclarations profondes sur les sentiments d'abandon et le manque d'intérêt pour ce que nous laissons derrière nous. Que ce soit l'intention de Blane ou non est sujet à débat, mais j'ai l'impression que l'environnement négligé a fortement dicté la direction de ses compositions spontanées. Ces chansons sont effrayantes, mystérieuses, voire un peu bande-son. Pourtant, ils restent des perspectives convaincantes sur la créativité situationnelle et des odes à ce qui peut être accompli en se livrant pleinement aux diktats de la création intériorisée. Blane a peut-être laissé la musique le guider, mais The Spider Room ressemble à une déclaration singulière d'un artiste en plein contrôle de tous ses instincts extrêmement imprévisibles.

La salle des araignées de Joseph Blane

AssassunChronic Quicksand Depression Morning (Blackjack Illuminist Records)

Sous l'apparence d'Assassun, le musicien berlinois Alexander Leonard Donat s'aventure dans les territoires synth-punk et euro-goth aussi facilement qu'en traversant la rue. Son dernier album, Chronic Quicksand Depression Morning, est un monstre EBM, rempli de rythmes frétillants, de voix criées et d'un désir d'explorer les contours voyants de la théâtralité de la pop électronique. Il y a un peu de camp dans ses rythmes emphatiques, un sentiment d'espièglerie mélodique qui ne peut pas tout à fait être expliqué mais qui est un esprit toujours présent qui guide ces chansons. Mais Donat ne se vautre pas ici dans la pompe ou l'opulence inutile - la musique peut frapper comme un marteau-piqueur tout en provoquant sa juste part de mouvements corporels spontanés.

Prenant les sombres environnements de la New Wave et leur permettant de s'épanouir dans des expressions impassibles de dissociation émotionnelle, il tire ces sons vers leurs conclusions logiques (et souvent extrêmes), les laissant se tordre et muter sans se soucier de leurs itérations finales. L'écoute de ces chansons peut évoquer des paysages célestes striés de néons et des pistes de danse de club sombres bondées à 2 heures du matin. Il y a un mouvement constant qui habite ces pistes, une sensation de physique manifeste qui dirige la musique pour se glisser dans la moelle de vos os. Tout ce que je sais, c'est qu'après avoir écouté ces chansons, vous serez probablement submergé par un désir irrésistible de déplacer votre corps à travers toutes sortes de contorsions - et de le faire aussi longtemps qu'il est humainement possible.

Matin de dépression chronique des sables mouvants par ASSASSUN

Ben HallWindbag (son moyen)

Ben Hall voit nos poumons comme un autre instrument à travers lequel il peut canaliser un ensemble fascinant d'impulsions musicales. Tout a commencé avec le souffle, et Hall veut se concentrer sur les capacités de ces organes. Son dernier projet, Windbag, est un single de près de 32 minutes centré sur les fonctions de l'expiration. Hall explique: "Cette pièce a été jouée pour la première fois en 2012 dans le cadre du cours" Making Without Objects "de Rirkrit Tiravanija à l'Université de Columbia. L'enregistrement de cette version est une combinaison d'un enregistrement pendant ce cours ainsi que d'une performance au MOCAD, Museum of Contemporary Art Detroit, en 2015. " Un étalement ambiant et impressionniste qui plonge dans les thèmes de l'induction de transe et de l'initiation au kosmiche, l'album est une affirmation artistique saisissante et convaincante.

Mieux observé avec les yeux fermés et les sens à l'écoute de ses fréquences natives, Windbag vous transporte en altitude à travers ses tonalités bourdonnantes et à la recherche d'une connectivité émotionnelle primordiale. "La composition 'Windbag (for 36 sets of Lungs)' est une réponse à la question de savoir quel est le processus de création sonore le plus mutuellement accessible à travers les cultures et les capacités. La réponse est le souffle", révèle Hall. A travers ces rythmes répétitifs et ces échos murmurants, il découvre un nouveau langage musical, celui qui opère à l'échelle sensorielle. Vous n'écoutez pas simplement Windbag ; vous vivez votre chemin à travers ses contours rythmiques sinueux, trouvant la révélation à mesure que chaque instant est déroulé et rembobiné avant de finalement retomber dans le néant.

Sac à vent par Ben Hall

OhrLuma/Chroma (son comme langage)

Le travail de l'artiste George Cory Todd, basé à Berkeley, est un hommage au vaste spectre de la production numérique, lui permettant d'explorer tous les aspects de la production visuelle et audio, de l'ingénierie et de la performance. Enregistrant sous le nom d'Ohr, Todd fait tomber les barrières séparant l'ambiant, le dub, la techno et même le jazz, créant un son aussi richement détaillé qu'inclassable. Avec la sortie de Luma / Chroma, il évite encore plus les approches connues de la musique expérimentale et étouffe tout dans un gallon de nervosité drum 'n' bass. Ces chansons résonnent et se répercutent dans un espace étroitement confiné, étroit dans sa focalisation mais expansif dans son interprétation.

Les tempos varient énormément, cohérents dans leur liquidité tout en offrant la possibilité d'explorer des profondeurs émotionnelles assez inhabituelles pour le genre (ou la purée de genres). De simples percussions métronomiques et frissons électroniques à la formation de paysages sonores informes qui exhalent une solitude considérable, Todd offre un regard convaincant sur la complexité de ce bruit non calibré. Que vous ayez l'impression de traverser les entrailles d'un super engin mécanique ou de transpirer vos insécurités sur une piste de danse sombre et cacophonique, Luma/Chroma ne vous limite pas à une circonstance tout en vous enfermant dans ses rythmes. Ces chansons naissent sans effort de divers degrés de mouvement et reculent tout aussi facilement dans ces sous-structures transitoires.

Luma/Chroma par Ohr

Joanna MattreySoulcaster (enregistrements d'avis)

Les sons qu'un alto peut créer sont étonnants, il suffit de demander à John Cale - ou alternativement, demandez à la compositrice basée à Brooklyn Joanna Mattrey. Sa maîtrise et sa symbiose avec cet instrument lui ont permis d'évoquer de grandes étendues de sons qui persistent comme des dimensions parallèles de la tacticité auditive. Tout au long de son dernier album, le Soulcaster fracturé et déchirant, elle démonte pratiquement l'instrument et le remonte comme elle l'entend. Accompagnée d'une tromba marina (un instrument à archet triangulaire parfois appelé trompette marine ou violon des nonnes), elle crée puis filtre ces sons à travers diverses préparations impliquant du polystyrène, des jouets en plastique, des chaînes et d'autres objets non identifiés, développant une perspective à la fois respectueuse de ses origines mais également entièrement dédiée à la déconstruction de ces mêmes ancêtres.

Avec un titre tiré de la série de livres de Brandon Sanderson The Stormlight Archive – qui définit "soulcaster" comme quelque chose capable de transformer une chose en une autre – il est logique que Mattrey traite son alto de la même manière. Parfois, on dirait qu'elle s'invite dans la gueule caverneuse d'une monstruosité mécanique, les engrenages grincent et les mécanismes internes tournent de manière asynchrone ; alternativement, il y a des moments où surgit une beauté brute, une grâce terrible et obsédante qui s'extirpe du bruit de l'inconscient de Mattrey. L'album devient moins un exercice de technique stricte et plus une expérience sur la façon d'effacer les attentes musicales et de redéfinir les paramètres d'un instrument de musique donné.

Soulcaster de Joanna Mattrey

Evan Lindorff-ElleryChurch Recordings de Monhegan (Full Spectrum Records)

À l'été 2021, le copropriétaire de Notice Recordings et musicien expérimental Evan Lindorff-Ellery a rendu visite à sa famille dans le Maine, et pendant qu'il y était, il a décampé sur une île de Monhegan au large de la côte où il a visité l'église communautaire de Monhegan. Il a développé une fascination pour cet espace physique et a décidé d'y documenter ses expériences. Venant sous la forme des enregistrements d'église à deux pistes de Monhegan, Lindorff-Ellery a créé ces compositions de longue durée pour nous permettre d'entendre ce qu'il a entendu, de ressentir ce qu'il a ressenti. Utilisant ce qu'il avait sous la main pour nous impliquer davantage dans l'atmosphère de l'église, il a utilisé des coquillages, du verre de mer, des livres, un tambour sur cadre, une guitare acoustique, un petit piano, des liens métalliques, du bois, du plastique et même ses propres mouvements corporels pour détailler l'espace d'une manière qui résonne sur une longueur d'onde purement émotionnelle.

Abritant "Evening" et "Morning", l'album utilise des cycles naturels dans le cadre de sa création. "Evening" a été enregistré alors que la pluie tombait et que la lumière s'estompait, lui donnant un sentiment élégiaque, de souvenirs et d'expériences se perdant dans le passé. Souvent rien de plus qu'un murmure, la piste est un aperçu d'un environnement captivant suspendu, maintenu immobile par notre attention et notre engagement. "Morning" - comme vous l'avez peut-être deviné - a été enregistré le lendemain matin alors que la lumière du soleil brillait à travers les fenêtres de l'église. Il ne s'éloigne pas trop du morceau précédent en termes de mouvements subtils, mais il montre un sentiment de renouveau et de débuts, de petits moments annonçant des événements dramatiques à venir. Church Recordings de Monhegan est magnifique et incroyablement nuancé dans son exécution, mais présente toujours un monde entièrement formé pour nous d'explorer et d'enquêter.

Enregistrements d'église de Monhegan par Evan Lindorff-Ellery

Agnes HausSuite (Opal Tapes)

Agnes Haus, artiste audiovisuelle basée à Brighton, a une affinité pour l'équipement musical analogique et la conception graphique, et ils trouvent le temps de se livrer à leurs deux affections créatives en créant divers paysages électroniques fracturés et en construisant des images picturales à la fois euphoriques et magnifiquement poignantes. Pour leur premier album, ils proposent Sequel, une collection de 10 titres aux ambiances bruitistes qui balancent entre des ruminations plus mélodiques et celles qui ne possèdent pas de trames rythmiques connues. Le minimalisme et quelque chose approchant l'électro-pop éclatée sont les fondements ici, avec Haus invitant des divinations contradictoires et sympathiques qui parlent de la malléabilité émotionnelle inhérente à la musique.

Qu'il s'agisse de la bande originale d'un film muet gothique ou d'une méditation auditive sur la désorientation mentale interne, Sequel ne s'efforce pas de fournir des réponses - il découvre des questions auxquelles nous n'avons pas encore répondu et exige que nous examinions les voies possibles par lesquelles des réponses pourraient être trouvées. L'album entier ressemble un peu à un test de Rorschach, un modèle impressionniste géant conçu pour tester notre acuité musicale et nos associations émotionnelles. Vous pouvez succomber à ses rythmes hypnotisants (et souvent aberrants) ou vous engager avec eux, travaillant à découvrir les mécanismes intérieurs propulsant ces sons vers l'avant. Il n'y a pas de place pour l'observation passive ici ; vous participez, ou la musique vous laisse sans même un second regard.

Suite d'Agnès Haus

Beam SplitterSplit Jaw (Tripticks Tapes)

Beam Splitter est la méthode par laquelle les musiciens Audrey Chen et Henrik Munkeby Nørstebø utilisent la voix amplifiée, le trombone et l'électronique analogique au service de leurs impulsions musicales toujours en spirale. Sur leur dernière sortie sur bande, Split Jaw, le duo propose à la fois du matériel en studio et en direct, combinant le minimalisme déformant la réalité de "Purple Mouth" - développé dans le cadre du projet "OMA", avec le soutien d'Initiative Neue Musik Berlin - avec l'improvisation en direct de "Breastbone" et "Down to Rock and Up to Fire", enregistrées au Festival Music Unlimited à Wels, en Autriche, en novembre de l'année dernière. Ces trois morceaux montrent le talent du groupe pour l'expérimentation conceptuelle, pour transformer les sons dissociatifs en quelque chose de révélateur et nécessitant une analyse plus approfondie.

Mais il y a plus dans Split Jaw que de simples évaluations cliniques - la musique vous permet d'explorer sans tenir compte des histoires de genre, vous donnant une liberté totale pour aborder la musique selon ses propres termes. Juste au moment où le silence d'un moment donné ici devient insupportable, vous entendez une faible lueur de mouvement, un son effrayé du bord de votre conscience, ne faisant rien de plus qu'un murmure. Et pourtant, ce murmure contient des multitudes. Que ce soit en studio ou sur une scène improvisée, Chen et Nørstebø usent de cette austérité rythmique/arythmique, donnant voix à leurs créativités jumelles à travers ce bruit merveilleusement fragmenté. C'est à la fois stimulant et invitant, une énigme sonore attendant d'être résolue, prête à offrir un dernier indice sur ce qui pousse ces deux artistes à créer ces environnements abstraits.

Mâchoire fendue par séparateur de faisceau

Spherule Trio Il y aura toujours des instruments (Orb Tapes)

Composé de Patrick Shiroishi au saxophone, Kevin Sims aux percussions et Lucas Brode à la guitare (et aux tournevis, apparemment), Spherule Trio fait une musique qui oscille entre l'improvisation directe et la spontanéité guidée. Il y aura toujours des instruments dans leur premier album, enregistré à distance tout au long de 2021 et maintenant disponible via Orb Tapes. Les chansons ont été construites au coup par coup, chaque musicien ajoutant à ce qui lui était envoyé, dirigé par diverses aides visuelles utilisées comme indices de l'évolution de la musique. Un chemin général a été établi, mais les sons ont tous été improvisés, ce qui donne un ensemble de 4 pistes qui oscille entre des périodes d'expérimentation chaotiques et des moments qui semblent parfois restreints et même introspectifs.

Tomber dans les gouffres bruyants de ces chansons, c'est embrasser la nature fracturée des inspirations collectives des artistes, s'entourer d'un vaste treillis de rythmes qui s'entrechoquent et de catharses émotionnelles conflictuelles. Le saxo de Shiroishi gazouille, klaxonne et chuchote, tandis que Sims crée une atmosphère de claquement d'avertissements percussifs éclatés. Brode injecte un peu d'agitation nécessaire, plaçant une distance entre chaque personne, ne permettant à personne de rester sous les projecteurs pendant une période prolongée. Ces chansons parlent de collaboration, pas d'individualisme - There Will Always Be Instruments regarde avec curiosité les impulsions créatives derrière la musique, se délectant de l'interaction de chaque personne, aspirant à découvrir les mystères cachés qui alimentent leur désir de créer.

Il y aura toujours des instruments par Spherule Trio

LionmilkIntergalactic Warp Terminal 222(Leaving Records)

Pour le musicien-producteur de Los Angeles Moki Kawaguchi, la musique n'est pas seulement une collection de sons aléatoires ou syncopés - c'est une façon de nous examiner et de résoudre des problèmes qui affectent notre qualité de vie. Cette sorte de pleine conscience est imprimée dans son travail. Il suffit de regarder I Hope You Are Well de 2021: Kawaguchi a remis en main propre des copies de cassettes à ses proches comme un moyen de se connecter avec eux alors que la pandémie faisait rage. C'était sa façon d'entretenir des relations à une époque où les idées de distance sociale et d'occupations éloignées étaient encore répandues. Il aspirait au genre de guérison qui ne peut provenir que de sensations tactiles, d'associations émotionnelles communes et du rassemblement de corps dans une inclination commune.

En collaboration avec Leaving Records, il a récemment partagé Intergalactic Warp Terminal 222, un autre lot d'ambiance cosmique qui se concentre sur le développement personnel et la guérison. En parlant de sa musique, Kawaguchi explique que sa création est une forme de soin de soi, que cet acte d'expression lui procure une certaine tranquillité dans laquelle il peut prendre le temps de s'évaluer et de se réorienter. Surfant sur des vagues de sérénité électronique construites sur les fondations d'autres genres moins évidents (jazz, hip-hop), il a établi ces sons comme des arbitres émotionnels, des conducteurs de redirection interne et des hôtes de vastes réservoirs de révélations compliquées. Il n'a pas peur d'approfondir la nature souvent byzantine de nos expériences collectées, et cet album révèle que les réponses que nous recherchons pourraient bien se situer dans les contours complexes de notre propre subconscient.

« Intergalactic Warp Terminal 222 » par Lionmilk

EmerSea Salt (Lillerne Tapes)

Le projet bruxellois Emer est l'idée de la musicienne d'origine lituanienne Marija Rasa, une auteure musicale dont le travail explore des éléments de spatialisation sonore, de texture et de fragilité. Elle a étudié à l'Institut de Sonologie de La Haye et a continué à expérimenter les sons acousmatiques et les installations multicanaux. Délicat mais imprégné d'une énorme résonance émotionnelle, les paysages sonores qu'elle crée sont complexes et remplis de la joie des possibilités infinies de la vie. Son dernier album sous le nom d'Emer, Sea Salt, est un bref détour dans le monde sans frontières du minimalisme électronique et pop : des voix dansent en arrière-plan tandis que des rythmes hypnotiques dérivent à travers des mondes sans forme de forme et d'intention indéterminables - et tout est tellement beau.

Souvent trop dynamiques pour être qualifiées de simplement ambiantes, et beaucoup trop transparentes dans leur exécution pour supporter le poids de l'histoire de la pop, ces chansons existent comme un joyau prismatique d'une dimension inconnaissable. Ils sont décrits comme "de grands morceaux livrés avec soin et beaucoup de considération", et dans cette évaluation (avec une mise en garde), je serais d'accord. Je préciserais qu'ils sont "grands" dans leur portée émotionnelle et moins en ce qui concerne toute théâtralité manifeste. Cette musique n'attire pas l'attention sur elle-même ; il n'essaie pas de vous assommer avec des réalisations concrètes. Au lieu de cela, Rasa a façonné une galaxie de paysages sonores au doux balancement dans lesquels les voix se promènent à travers des nébuleuses de mélodie amorphe alors que nous nous engageons avec un désir persistant de nous enfoncer davantage dans ces espaces célestes.

sel de mer par emer

Clang QuartetA Slow Death For The Peacemaker(Strange Mono / No Rent Records)

Le musicien étranger de Caroline du Nord, Scotty Irving, a fait carrière en démolissant les murs qui existent souvent et qui séparent le public d'un interprète, ainsi que toute notion selon laquelle la musique est limitée dans sa portée ou sa résonance émotionnelle. Dans le passé, Irving a utilisé des panneaux de signalisation comme percussion, des outils de jardin en métal comme instruments et un masque comme véhicule pour de petites cloches. Enregistrant sous le nom de Clang Quartet, il a longtemps abandonné les moyens de création traditionnels au profit de tout ce qu'il avait à portée de main. Il a continué à faire ce bruit après avoir reçu un diagnostic de cancer, et A Slow Death For The Peacemaker est le résultat de cette recherche soutenue d'authenticité musicale, une collection de quatre titres qui oscillent entre le bruit industriel et la déconstruction personnelle intense.

Aussi déchirants et métalliques que ces chansons puissent être parfois, Irving ne perd jamais de vue le fait qu'il doit y avoir des émotions relatables à l'origine de ces mutations musicales. Et qui traversent cette masse chaotique de notes et de perspectives biaisées sont des fleuves de colère, de frustration, d'incertitude et de regret – et ces expressions semblent particulièrement ouvertes et brutes, venant comme elles le font à la suite de sa récente révélation sur la santé. Il y a des vagues qui montent et déferlent sur vos sens, des courants puissants qui menacent de vous entraîner vers la mer, et il n'y a rien d'autre à faire que de vous abandonner à leurs forces de marée. L'oubli vient avec chaque poussée renouvelée, tout comme le désir opposé de résister à son infini noirci. On ne sait pas ce que l'avenir réserve au Clang Quartet, même si Irving reste optimiste quant à l'avenir. Ce qui est clair, c'est que ces chansons sont des documents de son temps qui se dressent contre le vide, regardant au-delà de son reflet sombre sans fin pour découvrir l'espoir et peut-être même une voie à suivre.

"Une mort lente pour le pacificateur" (NRR163) par Clang Quartet

Hellsent & BatsauceJIMI FLOSS(Icy Palms Records)

Le rappeur de Chicago Hellsent et le producteur Batsauce sont parfaitement assortis sur leur nouvel album captivant, JIMI FLOSS, une plongée profonde dans l'histoire de Windy City et une expérience personnelle amère. Les chansons possèdent une immédiateté aussi frappante que leur brièveté. Des samples fusent dans et hors de portée de voix, soutenus par des rythmes minimalistes et les récits conversationnels de Hellsent. Le monde est un endroit sombre sur JIMI FLOSS, mais il y a des moments de lumière qui traversent l'obscurité omniprésente. Sonnant comme un associé disparu du Wu-Tang Clan ou un acolyte de MF Doom, Hellsent attaque ces bars de front, laissant des ruines fumantes dans son sillage. Des fragments de piano et de guitare jazzy abondent, brisés par des échantillons aléatoires et des collisions rythmiques savamment calibrées. Il y a aussi des échos lointains de l'âme répandus ici, offrant de brefs aperçus des influences de Batsauce et de la manière dont il agrège ses processus créatifs.

Mais qui est Jimi Floss ? Est-ce un remplaçant pour Jimmie Watkins (l'homme derrière Hellsent) ou quelqu'un personnifiant les événements de sa vie et de celle de Batsauce ? Quelle que soit la vérité, cet album est rempli de regrets, de colère et d'un désir de briser tous les systèmes qui fonctionnent contre ceux qui vivent à la périphérie de la société. Ces chansons rugissent avec une honnêteté incendiaire au service d'une amertume plus large née d'une expérience personnelle. Laissez tout brûler et regardez ce qui renaît de ses cendres. Pourtant, malgré tous les sentiments caustiques et les fanfaronnades occasionnelles, ils laissent encore place à un semblant d'espoir, un lien émotionnel avec la communauté et les gens pris dans leur gravité. Les choses sont brisées, mais Jimi Floss pourrait bien être la personne qui peut faire la lumière sur ces inégalités et demander justice pour ceux dont la voix n'est pas entendue.

JIMI FLOSS par Hellsent & Batsauce

Chien PourriMonstre folle(Hidden Bay Records)

Lancé en 2019, Chien Pourri s'est réuni pour la première fois lorsque les musiciens français Maud Cazaux et Iso Couderd ont commencé à développer des chansons basées sur leur affection commune pour des artistes comme Portishead et Nico. Mélangeant des paysages éthérés à des rythmes pop électroniques austères, ils se sont livrés à leur désir d'explorer à la fois des atmosphères sombres et vaporeuses, culminant avec l'enregistrement et la sortie de leur premier album, Monstre Folle. L'album peut être dur et labyrinthique dans sa beauté, rempli de merveilles ambiantes et de moments de chaos mélodique discordant - il est entièrement expérimental dans ses ambitions mais conserve toujours son cœur pop bienheureux (si souvent en train de s'effondrer). On dirait que les chansons sont dans un état constant de flux, Cazaux et Couderd essayant toujours de trouver la meilleure façon d'aller de l'avant alors qu'ils les traversent.

Mais cela ne se traduit pas par un son qui apparaît comme hésitant ou incertain de lui-même ; au lieu de cela, ce sens de la spontanéité joue en faveur de la musique, ajoutant une complexité supplémentaire aux mélodies qui agissent comme des régulateurs émotionnels indépendants. "Caliban" oscille entre une ambiance fracturée et des intonations pop austères tandis que "La Nuit" développe et maintient une fluidité pop polie, une brume mercurielle de tons doux et de douces révélations. "Yellow Sands" est un artefact pop légèrement bruyant, et "Tempest" se hérisse de bruits de bourdonnement et atteint une sorte de transcendance à travers ces terrains de cyclisme. Ces quatre pistes permettent à Cazaux et Couderd de laisser suffisamment de place à la musique pour s'épanouir, s'étendre, se contracter et refluer au loin, une prise de conscience du besoin constant d'adaptation et de mouvement sans restriction de la musique.

Monstre folle by Chien Pourri

ABADIRMELTING (noyé par les habitants)

Comment concilier les promesses du capitalisme avec sa façon de consommer les hommes, les idées et les cultures sans offrir grand-chose en échange ? Pourquoi regardons-nous le "bon vieux temps" à travers des lentilles roses ? Que déplorons-nous exactement, comment c'était réellement, ou une idée préconçue d'un optimisme juvénile éloigné de la réalité ? Soumis dans le cadre de la thèse de maîtrise de Rami Abadir à l'Université des Arts de Brême, Melting est un album qui suggère que toute idée positive de la nostalgie capitaliste est intrinsèquement erronée. Combinant des centaines d'échantillons d'archives télévisées et radiophoniques, de publicités, de films et d'autres réservoirs assortis de la culture pop, l'examen détaillé d'ABADIR de l'obsession des gens pour un passé glorifié est particulièrement pertinent maintenant que les politiciens et autres personnes influentes appellent à un retour aux valeurs "traditionnelles" et aux mœurs sociales.

En creusant dans un bassin d'expériences et de souvenirs collectifs, il cherche à reprendre notre emprise sur ce que le passé représente réellement et comment nous avons tenté d'aller au-delà de ses perspectives limitées. Il construit cet énorme panorama sonore comme si chaque échantillon était un instrument, utilisant chacun à son plein potentiel au service d'une déclaration d'intention plus large. Il y a beaucoup d'obscurité ici, mais ce n'est pas sans humour ni éclair de lumière occasionnel. Après tout, le passé n'est pas une bête dévorante, mais il doit être vu sans œillères ou sous l'angle de la réminiscence personnelle, dépouillé de ses notions romancées. Ce qu'ABADIR réussit sur Melting n'est rien de moins que remarquable, un aperçu honnête des choses qui ont façonné notre monde et qui continuent de colporter une certaine influence. C'est un artefact historique d'importance qui défie notre compréhension de nos propres histoires collectives.

FONDANT par ABADIR

PaszkaLapton(Gin & Platonic)

Le musicien de Cracovie Szymon Sapalski manipule les sons depuis très longtemps. Ayant déjà sorti des albums sous son nom de Rużaw ainsi que d'autres projets expérimentaux, il voit les mouvements agités et les tic nerveux de ses compositions électroniques comme des longueurs d'onde à explorer et à démanteler. Des rythmes de danse nerveux et des sonorités hyper-pop glitch tremblent et frémissent dans une relative synchronicité, lui donnant l'occasion de se délecter de leurs énergies nerveuses. Son dernier album sous le nom de Paszka, Lapton, une pièce sur la façon dont sa grand-mère a continué à mal orthographier le mot "ordinateur portable", greffe des éléments de la musique pop moderne dans une série d'observations de circuits fracturées qui ont tendance à rester en mouvement constant indépendamment des propres commandes de Sapalski.

Les tempos varient, mais il y a incontestablement une nature dansante dans ces enregistrements. Certes, certains sont susceptibles de causer des blessures corporelles si vous tentez de suivre leur rythme, mais l'intention de provoquer une sorte de réaction physique est évidente dès les calamités rythmiques d'ouverture de "jade", un morceau qui nous fait entrer dans ce monde sans essayer de nous inoculer des expulsions maniaques du dancefloor immédiatement exposées. La musique agit comme un barrage des sens, s'écrasant sur vous dans une expression créative non filtrée. Tout éclate puis se reforme, cohérent mais volontairement obstiné à trop dévoiler ses intentions. Lapton agit comme un flux de conscience de Sapalski, une affirmation électronique fougueuse de la capacité de la musique à induire une sensation tactile ainsi que des catharses émotionnelles volatiles.

« lapton » par paszka

MicrodéformationRéévaluez vos priorités de vie(Liquid Library)

Au milieu de 2020, de nombreux musiciens ont découvert qu'ils avaient beaucoup de temps libre en raison des blocages en cours entourant la pandémie de COVID qui faisait alors rage - cela comprenait Liam McConaghy, l'architecte derrière la tenue expérimentale de bruit Microdeform. En regardant en arrière dans ses archives de matériel inédit, il a décidé de passer ce temps d'arrêt à rassembler et à coller des morceaux errants d'éphémères musicaux et de chansons en bois flotté. L'album qui en résulte, Reassess Your Life Priorities, est en quelque sorte une mixtape libre, rassemblant différentes périodes de la vie de McConaghy (tirant des enregistrements de 2008 à 2016) et créant un enregistrement sonore des diverses affections et fascinations musicales qu'il a explorées au cours de ces années.

Le processus de faire revivre ces chansons plus anciennes est devenu quelque peu thérapeutique pour lui, lui laissant le temps de réfléchir à leur caractère unique tout en voyant comment elles fonctionnent dans un contexte plus collaboratif. Qu'il s'agisse de restes de sessions d'albums précédentes ou d'extraits de performances live, la capacité de McConaghy à assembler ces morceaux sans perdre une cohésion globale est presque incroyable. En errant d'un instant à l'autre, on ne devinerait jamais que ces sons ont été puisés à différents moments de sa vie, telle est leur cohérence musicale. Il glisse entre des boucles ambiantes venteuses, des réverbérations intuitives de piste de danse et des sous-structures mélodiques plus dissonantes, sans jamais perdre de vue les thèmes généraux de la réinvention et de l'adaptation enfilés tout au long de l'album.

Réévaluez vos priorités de vie par microdéformation

YuppyCritical Hit (bandes et enregistrements déjà morts)

Équilibrant leur attention entre les intérêts rock enchevêtrés et l'expérimentalisme plus bruyant, le groupe de Saint-Louis Yuppy n'est pas étranger aux riffs déchiquetés et aux rythmes désordonnés, embrassant les deux dans leur recherche d'environnements plus bruyants dans lesquels colporter leurs collaborations noueuses. Composé du chanteur-guitariste Tom Gnau, du bassiste Jim Geoffrey, du chanteur-guitariste Anthony Patten et du batteur Michael Highfill, le groupe se définit par leurs processus coopératifs, donnant à chaque membre une voix dans la façon dont leurs chansons évoluent et s'expriment. Leur dernier album, l'EP 3 titres Critical Hit, est à la fois anarchie psychédélique, ténacité hard rock et mélodisme pop brûlé orné de riffs apocalyptiques. C'est un regard rauque et étrangement respectueux à la fois sur leurs influences et sur la manière dont ils filtrent ces inspirations dans un brassage caustique d'harmonies de fer forgé et de chaos musical bouillonnant.

"MULTI PASS" est un parfait exemple de la façon dont le groupe crée un équilibre entre les aspects les plus escarpés de leur travail et ceux qui tendent vers le plus mélodique, tout en étant aussi ce que j'espère être une référence passagère à The Fifth Element. Les guitares sonnent ondulées et musclées, même si elles semblent se séparer au milieu d'une chanson. "No" replonge dans une explosion de guitare frénétique, s'installant finalement dans un swing pop-rock dynamique avant de faire demi-tour et de laisser des paysages en ruine dans son sillage. Ils clôturent l'EP avec "Ear Drummer", un morceau qui rappelle l'esthétique angulaire du post-punk, mélangeant des lignes vocales envolées avec des riffs explosifs et une ambiance de fond statique. Si vous cherchez le point d'entrée parfait dans leur théâtralité rock merveilleusement indisciplinée, écoutez simplement Critical Hit et sachez que vous passerez beaucoup de temps dans leur orbite.

Coup critique par Yuppy

ABADIRAgnes HausAlready Dead Tapes and RecordsAssassunBardo TodolBatsauceBeam SplitterBen HallBlackjack Illuminist RecordsChien PourriClang QuartetDoom Trip RecordsDrowned By LocalsEmerEvan Lindorff-ElleryFull Spectrum RecordsGin & PlatonicGoodparleyHeejin JangHellsentHidden Bay RecordsIcy Palms RecordsIFS MAJoanna MattreyJoseph BlaneLeaving RecordsL illerne TapesLionmilkLiquid LibraryMedium SoundMicrodeformNo Rent RecordsNotice RecordingsOhrOpal TapesOrb TapesOutlinesPaszkaShreddiesSound as LanguageSpherule TrioSteep GlossSubmarine Broadcasting CompanySuperpolar TaïpsTripticks TapesUtonYuppy

Passionné de musique et passionné de vinyle. Il détaille souvent son amour pour X-Ray Spex et Bee Gees avec de parfaits inconnus. Il en sait probablement moins sur la musique qu'il ne le pense.