Critique: 'Light & Space' à Copenhagen Contemporary

Sep 16, 2023

Jusqu'au 4 septembre, l'exposition collective épique "Light & Space" explore le passé et le présent du mouvement emblématique de l'art de la lumière et de l'installation. C'est physique, émotionnel, corporel et désorientant

En termes d'échelle et de portée, l'exposition "Light & Space" à Copenhagen Contemporary est épique. "Ce sera GRAND à tous points de vue!", a déclaré le centre d'art international avant d'ouvrir ses portes le 2 décembre 2021. S'étendant sur 5 000 m², avec des œuvres de 27 artistes, il s'agit de la plus grande exposition jamais réalisée par l'institution de six ans, ainsi que de la présentation la plus complète d'artistes du mouvement influent de l'art de la lumière et de l'installation (Light and Space) qui a émergé à Los Angeles et dans ses environs dans les années 1960.

De Aftershock immersif et in situ de James Turrell, 2021, à LC 71 NY DZ 13 DW, 2013 de Doug Wheeler, un dôme illuminé en fibre de verre mesurant 20 m de diamètre, l'exposition est monumentale et impressionnante. Pourtant, la véritable puissance de 'Light & Space' vient de son intimité. Vous faites l'expérience des œuvres d'art physiquement et émotionnellement. Certaines sont éphémères et enveloppantes, comme Untitled, 2021 d'Helen Pashgian, une lentille coulée en époxy illuminée par un cycle de lumière qui s'intensifie. D'autres sont désorientants sinon confrontants. Dans Zero Mass d'Eric Orr, 1972-73, une pièce ovale tapissée de papier photographique forme un vide si sombre qu'il hypersensibilise votre corps, car vos yeux sont hors service.

Doug Wheeler, LC 71 NY DZ 13 DW, 2013. Fibre de verre renforcée, latex de dioxyde de titane blanc plat, lumière LED et contrôle DMX. © Doug Wheeler Avec l'aimable autorisation de David Zwirner.

« Il y a une précision dans tout ce travail, qui est extrêmement fascinante parce qu'elle va de pair avec la tactilité, l'expérience corporelle. Ainsi, même si certaines œuvres peuvent sembler froides, elles ne le sont pas, car elles sont toujours soulevées dans votre corps », explique Marie Nipper, directrice de Copenhagen Contemporary. Ou, comme le dit l'artiste Lita Albuquerque, « vous faites partie de l'œuvre ».

Sur place pour recréer Materia Prima, présentée pour la première fois à Venice Beach en 1979, Albuquerque dit avoir pleuré en étalant le pigment jaune de cadmium sur son lit de sel. "Il y a quelque chose de vulnérable et de beau dans le fait d'être complètement immergé dans la couleur." Aujourd'hui âgé de 75 ans, Albuquerque a émergé sur la scène artistique dans les années 1970 au milieu du mouvement parfois appelé minimalisme californien. Depuis, elle explore notre relation au cosmos avec émerveillement et optimisme. Elle perçoit le mouvement Lumière et Espace comme prophétique plutôt que comme un artefact. « Je me rends compte de plus en plus que c'est un mouvement profond. Pour moi, 2021 a été une année charnière. Le mouvement Light and Space ressent la même chose, comme s'il s'agissait d'une charnière, et il y a quelque chose de vraiment puissant qui doit encore se déployer.

Lita Albuquerque, Réinitialisation solaire (2021). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Peter Blake Gallery. Materia Prima (1979/2021). Avec l'aimable autorisation de la Peter Blake Gallery et de l'artiste. Vue de l'installation Light & Space, Copenhagen Contemporary, 2021.

Son esprit imprègne le spectacle, un baume pour un monde fatigué par la pandémie, mais aussi une réévaluation médico-légale d'un mouvement souvent étroitement défini par ses figures masculines de premier plan et ses œuvres qualifiées de « fétichisme de la finition » en raison de leurs surfaces très polies. «Nous ne voulions pas faire le spectacle évident Light and Space qui a été fait auparavant. Nous voulions élargir le champ des artistes avec de nouvelles femmes ainsi que des hommes et élargir le spectre », explique Nipper. "Le mouvement Light and Space est imprégné de plus que les œuvres orientées vers la surface, il y a aussi ce que j'appelle le minimalisme organique, orienté vers le paysage ou vers la peinture dans des champs élargis."

Le contexte était critique. Nipper a voulu représenter correctement les œuvres de l'époque et manifester leur influence en les plaçant dans un cadre contemporain avec des artistes européens. Il s'agissait de redécouvrir des artistes et des œuvres peu documentés et de les recréer in situ. Un processus très intentionnel, dit-elle. En 2019, elle a entrepris un voyage de recherche à travers les États-Unis, visitant des institutions et des studios, rencontrant des artistes, allant même à l'église avec le Quaker James Turrell. "C'était vraiment le début de la recherche." De retour à Copenhague, Nipper et son équipe d'expositions, dirigée par Jannie Haagemann, se sont penchés sur de rares sources primaires, telles que les anciens numéros d'Artforum qui couvraient des « événements », souvent sans images. Cela leur a permis d'avoir une perspective plus nuancée du groupe plus large qui faisait ce "truc vraiment incroyable", puissant à l'époque, mais largement oublié depuis.

L'obsédant Sans titre d'Elyn Zimmerman, 1974, est l'une de ces œuvres. Faite d'ombres projetées par des lampes halogènes sur des panneaux de verre, l'expression minimaliste de la matière et de l'immatérialité est montrée pour la première fois depuis 1974.

Robert Irwin, Sans titre (1965-67). Avec l'aimable autorisation de la Fondation Dia Art ; Don de Milly et Arne Glimcher. © Robert Irwin Light & Space, Copenhagen Contemporary, 2021.

Cet engagement à organiser une exposition aussi représentative, probablement la plus grande jamais organisée en Europe, a également permis à Copenhagen Contemporary d'obtenir de précieuses œuvres phares d'importantes collections. La Dia Art Foundation a prêté Untitled, 1965–67 de Robert Irwin, un disque en aluminium convexe peint éclairé par quatre lumières qui déforment la perception de l'objet et de ses ombres superposées. Les premières œuvres perceptives d'Irwin ont inspiré le nom du mouvement. Dans un essai de catalogue en 1966, l'éditeur fondateur d'Artforum, Philip Leider, décrit son art comme une «expérience de l'espace et de la lumière», inventant le terme inscrit plus tard dans une exposition en 1971.

Les œuvres historiques résonnent encore plus lorsqu'elles sont placées avec des pièces contemporaines comme Olafur Eliasson ou Ann Veronica Janssens. Il y a un continuum clair. Anish Kapoor est réputé pour ses vides absorbant la lumière, mais son Void pigmenté bleu, 1993, se lit différemment lorsqu'il est considéré à côté de celui qu'Albuquerque a conçu une décennie et demie auparavant.

Lorsque Fred Eversley, un ingénieur électricien qui a travaillé sur le projet Gemini (un des premiers programmes de vols spatiaux habités de la Nasa), a commencé à jouer avec la résine coulée à la fin des années 1960, c'était un nouveau matériau passionnant. Pourtant, les deux sculptures de l'artiste de 80 ans, Sans titre (lentille parabolique), 1971, en violet, ambre et bleu, et le noir profond Sans titre (lentille parabolique), 1976, aussi opaque que translucide la première, sont aussi séduisantes que tout ce qui est fait dans le médium aujourd'hui. Eversley l'attribue à la puissance de la parabole, qu'il a créée pour la première fois à l'âge de 15 ans, en utilisant une vieille platine et de la gelée, après avoir lu à ce sujet dans un magazine scientifique. "La parabole, qui est ma forme, est la seule forme qui concentre toutes les formes d'énergie en un seul point focal." Il appelle ses sculptures art en mouvement sans éléments mobiles. C'est une façon appropriée de décrire l'ensemble de l'exposition.

Jeppe Hein, 360° Illusion II (2007). Avec l'aimable autorisation de l'artiste, KÖNIG GALERIE, Berlin, 303 GALLERY, New York, et Galleri Nicolai Wallner, Copenhague. "Lumière et espace", Copenhagen Contemporary, 2021.

Robert Irwin, Lumière et espace (2007). Collection Musée d'art contemporain de San Diego ; Achat du musée avec des fonds de la Fondation Annenberg, 2007. © Robert Irwin 'Light & Space' Copenhagen Contemporary, 2021.

Judy Chicago, Women and Smoke, Californie (1971-1972). Avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Salon 94, New York ; Galerie Jessica Silverman, San Francisco; À travers l'espace d'art floral ; ARS, New York. © Judy Chicago Vue de l'installation Light & Space, Copenhagen Contemporary, 2021.

Oeufs (1972/2021) Oeufs en céramique et sable de silice Dimensions variables. Courtoisie de l'artiste

INFORMATION

'Light & Space', jusqu'au 4 septembre 2022, Copenhagen Contemporary. copenhagencontemporary.org

ADRESSE

Refshalevej 173A1432 Copenhague

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